浅论对音乐剧演唱的正确认识

来源：网络 时间：2022-03-19

　　中图分类号：J616 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）08-0065-02

　　一、对于音乐剧唱法的正确认识

　　对于音乐剧的唱法，很多刚入学的音乐剧专业学生会有一个“美通”的概念，认为音乐剧唱法就是美声唱法与通俗唱法的结合体。不能说这是一个完全错误的概念，但至少这是对音乐剧唱法的一种狭隘理解。音乐剧是一个风格多样化的剧种，仅从演唱风格而言，就可将其分为古典音乐剧、爵士音乐剧、摇滚音乐剧、乡村音乐剧、流行音乐剧、古典与流行相融合的音乐剧等。演唱风格不同，演唱技术就会有所调整，那么唱法自然也会有差异。而学生概念中的“美通”唱法，则仅仅是音乐剧唱法中的一种。比如安德鲁?洛伊德?韦伯的代表作之一《歌剧魅影》，剧中演员运用的是古典与流行相融合的唱法，也就是我们俗称的“美通”；再如音乐剧《毛发》《吉屋出租》和《耶稣基督万世巨星》，剧中演员完全运用摇滚式的唱法，所以我们将这一类音乐剧归为摇滚音乐剧。

　　此外，就演唱技巧而言，英美音乐剧界对于音乐剧的唱法有一种普遍认识，叫做“Belt唱法”，认为大多数的音乐剧都是采用的此种唱法，即便如此，它也不能代表全部的音乐剧唱法，因为除了“Belt唱法”之外还有“Legit唱法”[1]，所以，我们不能说音乐剧到底属于哪一种唱法，不能以此来局限它，只有在不同风格的剧目中看演员具体采用的是哪一种唱法，才能定义其属于什么唱法。

　　二、“说”大于“唱”

　　从技术上来讲，不同于传统的古典唱法追求大的音量和共鸣，音乐剧的演唱大多追求一种自然的，近似说话的演唱方式。音乐剧演员在演出时都会配有麦克风，所以在演唱时演员也没有必要去追求大的音量和共鸣。之所以音乐剧演唱要像说话一样，归根结底是由其以戏为本的特性决定的。

　　音乐剧是一门集歌唱、舞蹈、音乐、戏剧为一体的综合性舞台表演艺术，而歌唱、舞蹈、音乐这些表演元素始终是围绕戏剧展开的，且为戏剧服务的。所以音乐剧的演唱是和剧情发展紧密联系在一起的，常常会充当台词的作用。在音乐剧中，我们经常会看到演员边说边唱，比较典型的例子是《窈窕淑女》中希金斯教授的唱段，整部剧中教授的演唱大多是唱着唱着就说了，说着说着又唱了，说唱之间衔接得非常自然顺畅，甚至让观众分不清演员到底是在唱还是在说，而这样将演唱与台词合二为一的好处，不光是用音乐和节奏烘托了必要的氛围，更是顺利推动了剧情的发展。

　　从上述例子我们可以看出，音乐剧演唱中说话的重要性。传统的古典唱法之所以追求大的音量和共鸣，并不是因为演员不用麦克风，而是因为音乐剧毕竟是以“歌”为主，演员歌唱技术的好坏直接决定一场音乐剧的成功与否，而音量和共鸣又是衡量演员演唱技术好坏的必然因素，所以在演唱中有一个好的共鸣，从而使声音更具穿透力，也是所有古典声乐演唱者们追求的目标。

　　我们常常在教学中告诫学生，不要像唱古典歌剧那样“唱”，是为了防止学生在演唱中过分强调演唱技巧，而失去了戏剧表演中台词的把握，造成演唱和表演的脱?。

　　三、对于曲目选择的正确认识

　　在日常教学中，作为一名声乐教师，我们常常会面临如何为学生选择曲目的问题。如今的音乐剧声乐教材种类繁多，有的编者是按照声部来划分曲目的，比如由英国歌手兼作曲家Richard Walters编著的系列曲集《The Singer's Musical Theatre Anthology》，整套曲集按照女高音、女中音、男高音、男中音分为四类，且每一类都有六册，这套曲集也是目前在国内外音乐剧声乐教学中比较受欢迎、比较实用的教材之一。如果我们严格按照学生个人的声部去匹配教材的声部分类，并从中为学生选择曲目，那么这将会极大地限制学生音域的扩展。匹配声部选择曲目并没有错，只是不同于古典声乐那样，在训练中歌者属于哪个声部就唱哪个声部的歌曲。因为古典声乐的作曲家们是针对不同声部的歌者创作作品，所以在音域上有明显划分。但是音乐剧大部分的歌曲音域都适中，都在中音区，所以，这种按声部分类的教材是可以通用的。

　　对于女中音和男中音来说，因为大部分音乐剧不会有过高的音域，所以唱一些高声部的曲目反而会更加有利于音高的扩展和头腔共鸣的训练；对于女高音和男高音来说，唱一些音域较低的曲目，也会有助于胸声和胸腔共鸣的开发。上述提到音乐剧的演唱要像说话一样自然，所以较低的音域建立在“说”的基础上，也都会变得更加容易。

　　另外，在古典声乐中，我们不会让一个花腔女高音去扮演一个戏剧女高音的角色，或是让一个戏剧男高音扮演一个抒情男高音的角色，因为从歌唱者本身的声音条件来讲是不适合这样的角色互换的。但音乐剧不同，由于其风格的多样化，作为学生，应该去接触不同风格各种类型的曲目。[2]我们让学生演唱不同风格的歌曲，除了为训练学生能够在不同曲目中掌握不同的演唱技巧外，也是为了帮助学生更好地塑造声音的角色感。

　　四、持久健康的演唱技术

　　在一部长达两个小时的音乐剧中，演员往往是既歌又舞，这对演员的耐力是非常大的考验。对于音乐剧声乐教师来说，如同训练足球运动员或长跑运动员一样，我们是在训练声乐运动员。而在训练过程中，持久健康的演唱技术才是最为重要的。音乐剧的演唱建立在说话的基础上，而很多声乐教师和语言学家都认为，发生在年轻歌者身上的声音方面的病理现象，通常是由于误用和滥用嗓音引起的。[3]这些问题很多时候学生并没有意识到，所以声乐教师要注意引导学生使用健康的说话方式，而且要让学生对音区之间的平衡的重要性有一个很好的认识，如果盲目追求高音，会造成声带疲劳，甚至会对声带造成伤害。

　　对于技术训练而言，除了主张使用自然、流畅、轻松的近似说话的演唱方式外，我们也主张在气息支持、腔体打开、腔体共鸣等基础训练上借鉴古典声乐的训练方法，毕竟古典声乐的科学性是被世界公认的。当然，也要找到古典唱法与音乐剧唱法的平衡点，在科学的基础上发扬自身的特点。

　　对于音乐剧专业的学生和演员而言，只有在日常训练中将这些问题综合考虑，并有意识地扬长避短，才能获得一种持久健康的演唱技术，才能在职业道路上走得长久。

　　五、结语

　　演唱是音乐剧这一艺术形式中至关重要的因素，只有对其有了充分认识，才能在实践中取得成效。以上四个方面的要点对正确认识音乐剧演唱起到一个概括作用。当然，值得详述的地方还有很多，笔者希望能在日后的工作中进一步整理完善此项研究，并能为音乐剧爱好者们提供更多的帮助。